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ArtReview Korea 2026 Special Issue
Ask any artist if their work represents a national style and they are sure to answer with a quick ‘no’. After all, who wants to say they are a conformist? What artist wants to deny they are an individual, with their own interests and concerns, and a uniquely personal way of expressing themselves? Yet everyone, artist or not, is shaped by the context around them in some way or other, and for most artists this will be reflected in their work.

For the third collaboration with the Korea Arts Management Service (KAMS) under the Ministry of Culture, Sports and Tourism, ArtReview has selected 30 Korean artists, at various stages in their careers, who reflect both the breadth of contemporary art practice and, in their work, some of the common concerns in Korea today. This work spans a range of mediums: painting – figurative, abstract and conceptual; sculpture; installation; photography; practices that involve collaboration; and practices that engage with technology on various levels or in revealing hidden or suppressed histories.

Exhibitions – and particularly largescale biennials – have the (often unenviable) task of holding all of the above together: bridging differences, creating distinctions, causing frictions. ArtReview editor-in-chief Mark Rappolt speaks with Busan Biennale co-artistic directors Amal Khalaf and Evelyn Simons, whose presentation Dissident Chorus explores what “being comfortable with complexity” might look like; and later with Gwangju Biennale artistic director Ho Tzu Nyen and curators Park Gahee & Brian Kuan Wood, for whom their edition, You Must Change Your Life, resembles, in various ways, something like “the completion of the fragment”. Ho, in his artist and curatorial practices, found himself “construct[ing] a series of parameters, and us[ing] them to generate something new”. Perhaps complexity and division are, in art, cousins.

Or perhaps the truth is that attempting to classify art can be just as messy as attempting to categorise life. And while this guide functions in part as an index of who’s doing what and how, or, on another level, as a list of the topics that are of interest to Korean artists right now, it also attempts to acknowledge the complexities, overlaps and ungovernable forces that categorise art in Korea (or anywhere, for that matter). It’s these last three that are the basis for a project by Sulki and Min, appearing on the covers and in places throughout the publication, that explores the Korean language itself and the ways in which it leaves some things unsaid and relies on shared backgrounds and relationships to produce meaning, sometimes such that the same word can be used to opposite effect.

Minjeong An
An age-old conundrum of portraiture is that of appearances: how do you capture character and portray inner qualities while accurately depicting the visible outer features of someone? It's a question that has been compounded by the developments of medical imaging technology, where x-rays, sonograms and MRI scans let us see into and through our bodies, giving at least the impression that we know more about what goes on inside of us mechanically, while those inner qualities of personality and emotion remain elusive. Minjeong An's work delves into this question via largescale digital prints that offer incredibly detailed annotated portraits. Combining elements of anatomical illustration – alongside drawing influences from maps of acupuncture points, depictions of the body in traditional Asian medicine practices and energy maps from spiritual practices – with the analytic precision of mechanical diagrams and graphs, the people in her images (often self-portraits and her own family) are depicted in dispersed outlines bursting with colour-coded information. While An depicts her subjects with what appears like a scientific analysis, she plays with the kind of insights we think we can get. In the two-metre-tall print Rachaph (2024), we see hundreds of lines describing a crouched pregnant female figure, a self-portrait of the artist. And while several sections depict chemical structures and cellular illustrations of, say, tear ducts and breast alveoli. In contrast to the exact nature of the illustration, the small bits of language that line much of the figure shed a different, less scientific light: arrows pointing to one eye are 'tears of pain', 'meaningless tears' and 'tears of gratitudes'; while a note tells us the foetus's nickname was 'lump of luck'.

The diagram turns into an extended, minute story. In the almost-three-metre-wide Postpartum Care Center Detailed Diagram (2026), the delineated mother figure strikes a more casual pose, splayed out like a modern-day Venus leaning on a minifridge and clutching a cell phone in one hand. Casting our eyes over the countless details of the large image, amid more breakdowns of subcutaneous cells and drawings of internal organs, we slowly piece together the narrative of a mother in recovery after giving birth to her second child, going through all the exhaustion, anxieties and doubts of starting with another newborn, while the first daughter sits, hand raised, neglected, in the far corner of the print. Through her combination of different forms of mapping knowledge of ourselves, An suggests that as much as we can see, there's always more details, more context and more to the story.

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KOR
아트리뷰 코리아 2026 특별호
어떤 작가에게 자신의 작품이 특정한 국가적 양식을 반영하느냐고 묻는다면, 십중팔구 재빨리 ‘아니오’라고 답할 것이다. 누가 자신을 순응주의자라고 말하고 싶겠는가? 자신의 고유한 관심과 문제의식, 그리고 지극히 개인적인 방식으로 자신을 표현하는 독립적인 존재임을 부정하고 싶은 작가가 있을까? 하지만 작가든 아니든 모든 사람은 자신을 둘러싼 맥락의 영향을 어떤 식으로든 받으며, 대부분의 작가에게 이러한 영향은 작품에도 드러나기 마련이다.

문화체육관광부 산하 한국문화예술위원회(KAMS)와 함께하는 세 번째 협업을 위해, ArtReview는 경력의 다양한 단계에 있는 한국 작가 30명을 선정했다. 이들은 동시대 미술 실천의 폭넓은 스펙트럼을 보여주는 동시에, 오늘날 한국 사회에서 공통적으로 나타나는 여러 관심사를 각자의 작업을 통해 드러낸다. 이들의 작업은 구상·추상·개념미술을 아우르는 회화부터 조각, 설치, 사진, 협업을 기반으로 하는 실천, 그리고 다양한 수준에서 기술을 활용하거나 감춰지고 억압되어온 역사를 드러내는 작업에 이르기까지 폭넓은 매체와 방식을 아우른다.

전시, 특히 대규모 비엔날레는 이 모든 것을 하나의 장 안에서 엮어내야 하는, 흔히 결코 만만치 않은 역할을 맡는다. 서로 다른 것들을 연결하고, 차이를 만들어내며, 때로는 마찰을 일으키는 것이다. ArtReview 편집장 마크 래폴트(Mark Rappolt)는 부산비엔날레 공동 예술감독 아말 칼라프(Amal Khalaf)와 에블린 시몬스(Evelyn Simons)를 만나 이야기를 나눴다. 이들이 기획한 《Dissident Chorus》는 ‘복잡성과 함께 편안하게 존재한다는 것(being comfortable with complexity)’이 어떤 모습일 수 있는지를 탐구한다. 이어 광주비엔날레 예술감독 호 추 니엔(Ho Tzu Nyen)과 큐레이터 박가희(Park Gahee), 브라이언 콴 우드(Brian Kuan Wood)와도 이야기를 나눴다. 이들이 선보이는 《You Must Change Your Life》는 여러 측면에서 ‘파편의 완성(the completion of the fragment)’과 같은 것을 닮아 있다. 작가이자 큐레이터로 활동하는 호 추 니엔은 자신이 ‘일련의 매개변수를 설정하고, 그것을 이용해 새로운 무언가를 만들어내는’ 과정에 이르게 되었다고 말한다. 어쩌면 예술에서 복잡성과 분열은 서로 가까운 친척인지도 모른다.

혹은 진실은 예술을 분류하려는 시도가 삶을 범주화하려는 시도만큼이나 혼란스러울 수 있다는 데 있을지도 모른다. 이 가이드가 한편으로는 누가 무엇을, 어떻게 하고 있는지를 보여주는 지표이자, 다른 한편으로는 지금 한국의 작가들이 어떤 주제에 관심을 갖고 있는지를 보여주는 목록으로 기능하는 동시에, 한국의 예술을 규정하는 복잡성과 중첩, 그리고 통제할 수 없는 힘들을 인정하고자 하는 것도 바로 그 때문이다. 한국에서든 다른 어느 곳에서든 마찬가지다.

이 마지막 세 가지—복잡성, 중첩, 그리고 통제할 수 없는 힘—는 설키와 민(Sulki and Min)의 프로젝트를 이루는 기반이기도 하다. 이들의 작업은 이번 간행물의 표지와 여러 지면에 등장하며, 한국어라는 언어 자체와 그것이 어떤 것들을 말하지 않은 채 남겨두는 방식, 그리고 의미를 만들어내기 위해 공유된 배경과 관계에 의존하는 방식을 탐구한다. 때로는 동일한 단어가 정반대의 효과를 만들어내는 경우까지도 포함해서 말이다.

안민정
초상화의 오래된 난제는 외모에 관한 것이다. 어떻게 하면 인물의 성격을 포착하고 내면의 특질을 묘사하면서도, 동시에 그 사람의 보이는 외적 특징을 정확하게 그려낼 수 있을까? 이는 의료 영상 기술의 발전으로 더욱 복잡해진 질문이다. 엑스레이, 초음파, MRI 스캔은 우리 몸의 내부와 통과하는 모습을 보여주어, 적어도 기계적으로 우리 몸 안에서 무슨 일이 일어나는지에 대해 우리가 더 많이 알고 있다는 인상을 주지만, 성격과 감정이라는 내면의 특질은 여전히 잡히지 않는다. 안민정의 작업은 매우 상세한 주석이 달린 초상화를 담은 대형 디지털 프린트를 통해 이 질문을 파고든다. 해부학 일러스트레이션의 요소들—침술 경혈도, 전통 아시아 의학에서의 신체 묘사, 영적 수행에서 비롯된 에너지 맵 등에서 영향을 받은 것—을 기계 도면과 그래프의 분석적 정밀함과 결합하여, 그녀의 이미지 속 인물(대부분 자화상과 자신의 가족)들은 색상으로 정보가 부호화된 흩어진 윤곽선으로 폭발하듯 묘사된다. 안은 대상을 마치 과학적 분석처럼 묘사하지만, 동시에 우리가 얻을 수 있다고 믿는 통찰의 종류를 가지고 논다. 높이 2미터짜리 프린트 Rachaph(2024)에서는 웅크린 임산부 인물을 묘사하는 수백 개의 선들을 볼 수 있는데, 이는 작가의 자화상이다. 몇몇 부분은 눈물샘이나 유선 세포 등의 화학 구조와 세포 일러스트레이션을 묘사한다. 일러스트레이션의 정확한 성격과 대조적으로, 인물 대부분을 따라 늘어선 작은 언어 조각들은 다른, 덜 과학적인 빛을 비춘다. 한쪽 눈을 가리키는 화살표에는 '아픔의 눈물', '무의미한 눈물', '감사의 눈물'이 적혀 있고, 한 문구는 태아의 별명이 '운의 덩어리(lump of luck)'였다고 전한다.

도면은 확장된, 세밀한 이야기가 된다. 너비 거의 3미터짜리 산후조리원 상세 도면(Postpartum Care Center Detailed Diagram)(2026)에서는 윤곽선으로 그려진 어머니 인물이 미니 냉장고에 기대어 한 손에는 휴대전화를 쥔 채, 현대판 비너스처럼 느긋하게 벌려누운 자세를 취한다. 거대한 이미지의 셀 수 없이 많은 세부사항들을 훑어보다 보면, 피하 세포의 더 많은 분해와 내부 장기의 그림들 사이에서, 둘째를 낳은 뒤 회복 중인 어머니의 이야기를 조금씩 조합해 나가게 된다. 그녀는 또 다른 신생아와 함께 새로 시작하는 데 따르는 온갖 피로, 불안, 의심을 겪고 있고, 한편 큰딸은 그림 구석에 손을 든 채 소외된 상태로 앉아 있다. 자신에 대한 지식을 매핑하는 여러 형태를 결합함으로써, 안은 우리가 볼 수 있는 만큼 많은 것을 보더라도 항상 더 많은 세부사항, 더 많은 맥락, 그리고 이야기의 더 많은 부분이 남아 있다는 것을 암시한다.
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