By Aniyah Shubert (2025)

[Researcher's Note] This case study, conducted by a researcher in the U.S., analyzes Minjeong An's work as a primary model for exploring the relationship between artistic practice and cognitive development.

Introduction For Humans, creating is our birthright. The most common belief among people is that they can't be artists due to a lack of original ideas. A common misconception of creativity is that one is either born with it or not. Creativity, though still not fully neurologically understood, is like a muscle. It needs to be allotted time and space to exercise. The most effective method is to create organically. Barbaric, like a child. That “genius” is a fascination for life. The thirst for understanding that the world, humanity, and existence is complex and valuable.

I ask you to pause and ponder. Look around you, your world, 3 dimensional. Locate an identifiable 2-dimensional shape. Focus on the shape. What animal does it resemble? This exercise, silly in nature, demonstrates the endless pathways opened when you allow your brain to ask seemingly random childlike questions. You become increasingly curious, permitting your mind to jog through its expansive visual library of everything you think you understand and everything you don’t. New creative conversations emerge from associating complex figures (like animals) with flat two-dimensional shapes introduced to us as early as 3 years old. This is what artists do. We release assumptions of the material world and ask questions that beg the manifestation of our internal realms.

Again, similar to a child, artists must learn to see in shape, color, value, and scale. The child, unsullied by inhibition, critique, and expectation, asks questions on a whim. In this essay I will argue that Art enhances cognitive development in the brain by encouraging a child-like exploratory mode of perception; One that cultivates flexibility, problem solving imagination, and emotional awareness in ways traditional forms of learning cannot.

Charles Baudelaire’s Theory Charles Baudelaire, in his 1863 essay, The Painter of Modern Life, dissects and assesses the characteristics of a true artist. ‘The Artist’ is defined as a being that abandons the ever-present mindset of reinventing the wheel. Baudelaire adopts a case study, scribbler Constantin Guys, and analyses his methodology of creating. According to Baudelaire, a true artist “is a Man of the World, Man of crowds, and Child.”

The artist utilizes the natural given beauty of Earth and understands that the mind of child, while naive, is ever seeking and studies the importance of adopting what I’ve coined as ‘The adolescent approach.’ “The child sees everything as novelty; the child is always ’drunk'." Through this playful yet accurate description between the child and the inebriated, we can conclude the perspective of child while inexperienced is valuable and teaches us more about ourselves and surroundings than we’d anticipate. The child's curiosity is the starting point of genius.

Case Study: Minjeong Ahn I’d like to now direct attention to an artist I, as well as Baudelaire, would describe as ‘true’. Minjeong Ahn is a South Korean multi-media/digital artist who produces autobiographical studies of her memories and experiences throughout many stages of her life. During the interview between Ahn and myself, Ahn vehemently states her implementation of playfulness during the process, and much like Baudelaire, stresses the importance of remaining present while capturing life as it is happening.

In <Diagram of Somnolence>, Ahn attempts to understand the internal mental and physical internal bodily behavior within restlessness. “What I am trying here artistically is to visualize both the visible and invisible using signs based upon empirical study.” In <The Power of a Kiss>, Ahn travels back in time to her 8-year-old self. The image provides the viewer with a map revealing the distance between her home and institution, a tool measuring lasting effects of the lingering love.


The Neurological Effects & Cognitive Reappraisal According to neurological research, daily engagement with art works towards lowering cortisol in addition to minimizing physical and mental health ailments. Drawing specifically has been shown to stimulate the mind, displaying an increase of gray matter within both hemispheres. Child-like freedom is the fuel for the cognitive processes that strengthen the mind.

Baudelaire's quote, “But genius is no more than childhood recaptured at will, childhood equipped now with man’s physical means to express itself and with the analytical mind that enables it to bring order to the sum of experience, involuntarily amassed" is solidified. We conceived beginning to end that creativity is not exclusive to the “genius” but instead to the true artist who doesn’t hesitate to imagine.



Full Interview with Minjeong Ahn

1. Can you recall the first piece of artwork you’ve experienced that truly moved you?
“The artworks that have truly moved me change over time. Rather than a specific piece, I was first deeply impressed by an artist — Nam June Paik. Rather than a specific piece, I was first deeply impressed by an artist — Nam June Paik. I felt a connection with his childlike approach — treating art as playful exploration. His sense of playfulness and innocence resonated with my own way of engaging with art, and that was what left a lasting impression on me.”

2. How do you hope viewers think or feel after interacting with your work?
“I hope viewers simply smile or chuckle. At first, a work may appear serious or impressive, but after reading the title or context, they might realize it is not as grand as it seemed. At the same time, I hope my work encourages them to see their own repetitive, ordinary life as something valuable and meaningful. I want them to appreciate small, fleeting moments — not things that are measurable, productive, or compared with others, but the experiences happening right now.”

3. What drew you to creating art originally?
“I started creating art much like a child plays — without any particular reason. From a young age, drawing and making things were my favorite forms of play. My motivation has not changed: painting still brings me joy, and I still enjoy surprising people with my work, carrying that mischievous, playful spirit.”

4. In '<Self Portrait (2008)>', why did you choose to position the focal point of perception away from yourself?
“As an artist, I view subjects not only through the retina but also through multiple invisible “lenses.” One of these lenses is remote viewing — the idea of perceiving information from a distant location mentally, without direct sensory input or instruments. I wanted to convey that creating art is not just an act for the sake of producing a visible result, but a continuous observation toward invisible, spiritual realities even before the work materializes.”

5. How do you think the act of observing or making art interacts with memory, intuition, or problem-solving?
“Memory, intuition, and problem-solving must all work in harmony. With memory alone, my work would be like a simple diary. Without intuition, it would lack beauty and individuality. Without problem-solving, the message I want to convey would be lost, leaving only technique. When all these elements come together harmoniously, the result is a piece that satisfies me.”

6. In your opinion, what unique role does art play in human cognition?
“Art is an approach more akin to play than scholarly learning. Like a child who engages in an activity purely for enjoyment, without reward, purpose, or productivity, art naturally, easily, and joyfully contributes to human cognitive and emotional development in a unique way.”



KOREAN

저자: 아니야 슈버트 (Aniyah Shubert, 2025)
[연구자 노트] 본 연구는 미국 현지에서 진행된 사례 연구로, 예술적 실천과 인지 발달 사이의 관계를 탐구하기 위해 안민정 작가의 작업을 주요 분석 모델로 다루고 있습니다.

서론 인간에게 창조는 타고난 권리입니다. 사람들 사이에서 가장 흔한 믿음은 독창적인 아이디어가 부족하기 때문에 예술가가 될 수 없다는 것입니다. 창의성에 대한 흔한 오해 중 하나는 그것을 타고나거나 그렇지 않거나 둘 중 하나라고 생각하는 것입니다. 창의성은 신경학적으로 완전히 규명되지는 않았지만, 근육과 같습니다. 연습할 수 있는 시간과 공간이 할당되어야 합니다. 가장 효과적인 방법은 아이처럼 유기적이고 야성적으로 창조하는 것입니다. 그런 "천재성"은 삶에 대한 매혹입니다. 세계와 인류, 그리고 존재가 복잡하고 가치 있다는 것을 이해하려는 갈망입니다.

잠시 멈추어 생각해보기를 권합니다. 당신을 둘러싼 3차원의 세계를 돌아보십시오. 식별 가능한 2차원 도형을 하나 찾아보세요. 그 모양에 집중해 보십시오. 어떤 동물을 닮았나요? 그 모양이 동물의 머리일까요, 몸통일까요? 이 연습은 본질적으로 장난스러워 보이지만, 뇌가 겉보기에 무작위적이고 아이 같은 질문을 던지게 할 때 열리는 무한한 경로들을 보여줍니다. 당신은 점점 더 호기심을 갖게 되고, 당신의 마음이 이해한다고 '생각하는' 모든 것과 그렇지 않은 모든 것의 방대한 시각적 라이브러리를 가로지르게 합니다. 이것이 바로 예술가가 하는 일입니다. 우리는 물질 세계에 대한 가정을 버리고, 내면 세계의 발현을 요구하는 질문을 던집니다.

아이와 마찬가지로 예술가는 모양, 색상, 명암, 규모로 보는 법을 배워야 합니다. 억제나 비판, 기대에 물들지 않은 아이는 즉흥적으로 질문을 던집니다. 이 에세이에서 나는 예술이 아이와 같은 탐구적 지각 모드를 장려함으로써 뇌의 인지 발달을 향상시킨다고 주장합니다. 이는 전통적인 학습 방식으로는 불가능한 유연성, 문제 해결 상상력, 그리고 정서적 인식을 길러줍니다.

샤를 보들레르의 이론 프랑스의 비평가 샤를 보들레르는 1863년 에세이 <현대 삶의 화가>에서 진정한 예술가의 특성을 분석합니다. '예술가'는 바퀴를 새로 발명하려는 강박을 버린 존재로 정의됩니다. 보들레르에 따르면 진정한 예술가는 "세계의 사람, 군중의 사람, 그리고 아이"입니다.

예술가는 지구가 준 자연적인 아름다움을 활용하며, 아이의 마음이 비록 순진할지라도 항상 무언가를 갈구한다는 것을 이해합니다. "아이는 모든 것을 새로움으로 보며, 아이는 항상 '취해' 있습니다." 아이와 취한 상태 사이의 이 장난스러우면서도 정확한 묘사를 통해, 우리는 비록 경험은 부족할지라도 아이의 관점이 가치 있으며, 우리가 예상하는 것보다 우리 자신과 주변 환경에 대해 더 많은 것을 가르쳐 준다는 결론을 내릴 수 있습니다. 아이의 호기심은 천재성의 출발점입니다.

사례 연구: 안민정 보들레르가 '진정한 예술가'라 묘사할 법한 작가인 안민정에게 주목해 보고자 합니다. 한국의 멀티미디어/디지털 아티스트인 안민정은 인생의 여러 단계에 걸친 자신의 기억과 경험에 대한 자서전적 연구를 수행합니다. 안민정 작가는 인터뷰를 통해 작업 과정 중 '놀이 방식(playfulness)'을 구현하고 있음을 강력하게 언급하며, 보들레르와 마찬가지로 삶이 일어나는 순간을 포착하는 동안 현재에 머무는 것의 중요성을 강조합니다.

작품 <비몽사몽도>에서 작가는 불안 속에서 일어나는 내면의 정신적, 신체적 행동을 이해하려고 시도합니다. "여기서 예술적으로 시도하는 것은 경험적 연구에 기반한 기호를 사용하여 가시적인 것과 비가시적인 것 모두를 시각화하는 것입니다." 또한 <뽀뽀의 힘>에서 작가는 8살 시절의 자신으로 돌아갑니다. 이 이미지는 관람객에게 집과 학교 사이의 거리를 보여주는 지도를 제공하며, 지속되는 사랑의 효과를 측정하는 도구가 됩니다.


신경학적 효과와 인지적 재평가 신경학적 연구에 따르면, 매일 예술 활동에 참여하는 것은 코르티솔 수치를 낮추고 정신 건강 질환을 최소화하는 데 도움을 줍니다. 특히 드로잉은 뇌를 자극하여 양쪽 뇌 반구의 회백질 부피를 증가시키는 것으로 나타났습니다. 아이와 같은 자유는 정신을 강화하는 인지 과정의 연료가 됩니다.

"천재성은 의지에 따라 되찾은 유년기에 불과하다. 이제 그 유년기는 스스로를 표현하기 위한 성인의 신체적 수단과, 비자발적으로 축적된 경험의 총합에 질서를 부여할 수 있는 분석적 정신을 갖추게 된 것이다"라는 보들레르의 말은 입증되었습니다. 우리는 창의성이 '천재'만의 전유물이 아니라, 상상하기를 주저하지 않는 진정한 예술가의 것임을 확인했습니다.



안민정 작가 인터뷰 전문


1. 당신을 진심으로 감동시킨 첫 번째 예술 작품을 기억하시나요?
“나를 진심으로 움직인 작품들은 시간이 흐르며 변해왔습니다. 특정 작품보다는 먼저 백남준이라는 예술가에게 깊은 감명을 받았습니다. 그의 예술에 대한 태도가 저를 움직였습니다. 예술을 장난스러운 탐구로 다루는 그의 아이 같은 접근 방식에서 유대감을 느꼈습니다. 그의 놀이 정신과 순수함은 제가 예술에 참여하는 방식과 공명했고, 그것이 저에게 지속적인 인상을 남겼습니다.”

2. 관람객들이 작품을 보고 무엇을 느끼길 바라나요?
“관람객들이 그저 미소 짓거나 낄낄거리며 웃을 수 있기를 바랍니다. 처음에는 작품이 진지하거나 인상 깊어 보일 수 있지만, 제목이나 맥락을 읽고 나면 그것이 생각만큼 거창하지 않다는 것을 깨닫게 될 것입니다. 동시에 제 작업이 사람들로 하여금 반복적이고 평범한 자신의 삶을 가치 있고 의미 있는 것으로 바라보게 하는 계기가 되었으면 합니다. 측정 가능하거나 생산적인 것들이 아니라 지금 이 순간 일어나는 작고 덧없는 경험들을 소중히 여기길 바랍니다.”

3. 처음에 무엇이 당신을 예술 창작으로 이끌었나요?
“저는 아이가 놀 듯이 특별한 이유 없이 예술을 시작했습니다. 어릴 때부터 무언가를 그리고 만드는 것은 제가 가장 좋아하는 놀이 형태였습니다. 저의 동기는 변하지 않았습니다. 그림은 여전히 저에게 기쁨을 주며, 저는 여전히 장난스럽고 짓궂은 마음을 담아 사람들을 제 작품으로 놀라게 하는 것을 즐깁니다.”

4. <자화상(2008)>에서 지각의 초점을 본인과 떨어진 곳에 배치한 이유는 무엇인가요?
“예술가로서 저는 망막뿐만 아니라 여러 보이지 않는 '렌즈'를 통해 대상을 바라봅니다. 그중 하나가 정신적으로 먼 곳의 정보를 인지하는 '원격 투시'입니다. 이 개념을 통해 예술가의 영적이고 초자연적인 측면을 표현하고 싶었습니다. 예술을 창조하는 것은 단순히 시각적인 결과물을 만드는 행위가 아니라, 작품이 실체화되기 전부터 보이지 않는 영적인 실체를 향해 지속적으로 관찰하는 것임을 전달하고 싶었습니다.”

5. 예술을 관찰하거나 만드는 행위가 기억, 직관, 문제 해결과 어떻게 상호작용한다고 생각하시나요?
“기억, 직관, 문제 해결은 모두 조화롭게 작동해야 합니다. 기억만 있다면 작업은 단순한 일기가 될 것입니다. 직관이 없다면 아름다움과 개성이 부족할 것입니다. 문제 해결 능력이 없다면 제가 전달하고자 하는 메시지는 사라지고 기술만 남게 될 것입니다. 이 모든 요소가 조화롭게 어우러졌을 때 비로소 저를 만족시키는 작품이 탄생합니다.”

6. 당신의 의견으로는, 예술이 인간의 인지에서 어떤 독특한 역할을 한다고 보십니까?
“예술은 학술적인 학습보다는 놀이에 더 가까운 접근 방식입니다. 보상이나 목적, 생산성을 따지지 않고 순수하게 즐거움을 위해 활동에 몰입하는 아이처럼, 예술은 자연스럽고 즐겁게 인간의 인지적, 정서적 발달에 기여합니다.”