<보이지 않는 것을 보이게 하는 작가>
Who Makes Invisible Visible



By Jeon Nu-ri
Associate Editor of Culture Section(Hankuk University of Foreign Studies)

Find the value of “how much” in asking “How much do you love me?” This is a question An Min-jeong asks people through her work titled, “Answer the Following Questions.” Couples frequently demand each other for expression of love, but it is not easy to come up with an answer that satisfy their significant others. An expresses the degree of love by suggesting the answer, “As much as the gap between the earth and the sky.” To embody this abstract answer, she calculated the circumference of the earth and the sky and add up the numbers. She made subjective feeling of “love” visible by processing it into an objective numerical figure that people can understand through calculation of their own. As such, she makes sentiments and reminiscences, which are valuable but ambiguous, visible with scientific figures. The Argus met An Min-jeong, whose works seem dry and rational apparently, but in fact dealing with soft and sensitive feelings.

The Argus: Please introduce yourself.
An Min-jeong (An): I am An Min-jeong, an artist who works on visualizing invisible things by using mathematical and scientific symbols that people generally trust and recognize. I graduated from Department of Fine Arts at Seoul National University of Science and Technology in 2005, and finished the same graduate school in 2008. I participated in numerous group exhibitions, and for solo exhibitions, “Memory Engineering” was held at Cheongju Art Studio in 2014 and “Private Pictograph” at Opsis Art in 2015. I am currently doing art and at the same time giving a lecture at my alma mater.

he Argus: Why did you decide to become an artist?
An: I have never thought of anything else other than drawing since I was very young. I liked to scribble and paint.  I became interested in web design when I was in high school. Working in the fashion industry or being a painter came naturally to me. I did not go to college and started to study web design on my own. However, the design that I do alone felt imitative and just decorative. I thought I wanted to learn art properly, so I went to university and fell deeply in the world of arts, especially contemporary arts.

The Argus: What is the subject you most frequently utilize?  
An: Family, especially my mother’s love is usually the main theme. The long titled work, “Six-Membered Family Portrait: Mother Distributed Aloes of Her Own Cultivation among Her Family,” seems too difficult and esoteric at first glance because it has a lot of complicated fine lines in it. Though the theme is simple; mother’s unconditional love for the family. I want to express blind love of mothers, who want to give their family members whatever is good for them. Around my mother’s face, I drew a concentric circle, showing her warm aura. The yellow lines, like rays spurting from her forehead, represent “the light of love.” The oldest sister’s love for the youngest is described with oxytocin, a hormone associated with maternal love.

The Argus: What is the most meaningful work to you?
An: “The Power of a Kiss” is the most valuable. I have firm belief in the power of my mother’s kiss. The impression of it is still fresh in living memory. It was very tough for young me to go to elementary school alone. Only after the kiss had I courage to joyfully go to school. The great power of morning kiss obviously existed. Nonetheless, others do not count on it unless they have similar experiences. I was sad that people take it as ridiculous only because it is invisible. Therefore, I used “F-ma,” a formula people generally believe, to improve the power of kiss.

The Argus: How do you convey your ideas consistently?
An: I always concentrate on “making invisible things visible.” The materials of the “invisible” are mainly based on my personal feelings and memories. Abstract concepts such as love and attention are not seen, yet very important. I wanted to make them tangible so that many others can grasp its significance. Therefore I work on computer with mathematical and scientific languages like lines and formulas that are practically used in real life. Most people usually believe in academic measures and results because in those fields, accurate answers and clear facts exist that are undeniable. My personal emotions implied in my workpieces have objective persuasiveness and in this way.

The Argus: Do you have a specific occasion to adopt objective method for expressing abstract ideas?
An: While I was working as a web designer, I came across an architectural floor plan on the web. I found the complicated lines and signs beautiful and compelling. At that moment, I captured the beauty of the drawing's dots, lines, and labeling as neither decorative nor auxiliary, but important carriers of information. The blueprint’s complexity, that every element on the drawing has their own meaning was deeply impressive. After several years, when I was studying at the university, I accidentally thought about measuring each part of my face and body and putting it on a paper. I wanted to include objective information, such as the length of my eyes and nose, not just the way they look. It would be fun to draw a blueprint with my face, make my teeth as stairs, and nostrils as doorways. I also exhibited unseen things like how I got a scar or how far my aura can reach. Since then, I have become more and more interested in visualizing and quantifying abstract notions and energies.  

The Argus: Do you study mathematical and scientific things for your work?
An: I study when I start new pieces. When a work is completed, my knowledge usually become faint, but at the moment I work, I learn hard enough that others mistake me for an engineering student. I read medical books at the library, and search Google for original books in English. It is especially hard to become familiar with concepts like neuron, cerebellum, and mesencephalon, but I try hard for the perfection of my works.

The Argus: How can the audience appreciate your works properly?
An: I recommend people to enjoy my works in three steps. First, look at the title. Second, look at the work, and third, just laugh! That is enough. Some people stare at my works trying to understand every single line and symbol and they even interpret tiny little English texts to fully grasp the deep meaning inside the work. On the other hand, some just assume that my work is too intricate, and simply pass by, not even looking at the title. In fact, my work is not that difficult. The way expression is just unfamiliar to many people, subject itself my works deal with is not heavy.

The Argus: How do you want to be remembered?
An: Someone told me, “You are not like an artist.” I was pleased to hear that. Not all artists are philosophical and live on a different planet. I just want others to remember me as a funny friend next door. I hope to remain a person who makes the public truly sympathize with my works. I do not want them to think, ‘Oh, this artist’s works are too pedantic that I have no idea what she says!’ I like entertaining people. The pleasure and happiness the audience feel is my sole driving force. I will try hard to be a friendly person who use serious scientific formulas, but whose hidden real purpose is to make people laugh.

The Argus: What are your future plans?
An: I am preparing a solo exhibition, and I want to showcase new works. I hope my works to be shown to more people. I always spent time agonizing about some challenge. It seems interesting to make my works in three-dimensional way. The subject matters are likely to change, as it has been so far. When I was a kid, the material was mainly my family. When I was dating, it was my boyfriend. Now, after marriage, housework and living are the primary. I expect that the topic will be centered on the baby after giving birth.

The Argus: What are your last words for our readers?
An: Since modern art is no longer the exclusive property of the nobles, I hope that more people enjoy art. There are surprisingly many young college students who are not favorable and even hostile to contemporary art. Even if they go to an art museum  accompanied by their girlfriend or boyfriend, the young visits only the big, well-known galleries and take some photos to show off on their social media, and swiftly leave. There is no need for students to be uncomfortable with modern art pieces. Especially because my works’ expressive technique is unconventional, many say, “How such a thing can be an art!” I suggest that do not burden yourself with obsession that you have to understand every element and find something meaningful out of the works. There are no right answers in appreciating artworks.

    The woman The Argus met laughed a lot and was very cheerful, unlike a typical artist who does serious work using various mathematical and scientific tools. People are attracted to unexpected charm in her works. The subjects are warm memories and soft sentiments, which are not seen in an instant. Daniel Pink, a futurologist, anticipates the era of “high concept,” in which not only intellect and technology, but also human’s creativity and emotion have a central meaning. Accordingly, young people need to make diverse attempts to keep balance between sense and sensibility by thinking outside the box. For the first step, why not try to express your invisible and abstract feelings of everyday life, in a rather scientific way, like An Min-jeong?

http://www.theargus.org/news/articleView.html?idxno=1419



전누리
한국외국어 대학교 문화부 부편집장

“자기는 나를 얼만큼 사랑해? 여기서 말하는 얼만큼의 값을 구하여라.” 이는 작가 안민정의 작품 “다음 문제를 푸세요”에 등장하는 질문이다. 자신을 얼마나 사랑하는지 표현하라는 것은 일상에서 연인들 사이에 흔히 주고받는 질문이지만, 연인이 만족할 만한 적절한 대답을 해주기에 곤혹스러운 질문이기도 하다. 그녀는 이 문제에 대해 “하늘만큼 땅만큼”이라는 정답을 제시한다. 이 추상적인 답을 구체화하기 위해 그녀는 하늘의 둘레와 땅의 둘레를 구해서 둘을 합쳐 숫자로 나타냈다. “사랑”이라는 감정을 나름대로의 계산을 통해, 사람들이 납득할 만한 수치로 객관화한 것이다. 이처럼 그녀는 너무나도 익숙해서 잘 잊게 되는 감정들을 선과 숫자, 기호와 도형으로 눈에 보이게끔 한다. 겉으로 보기에는 건조하고 이성적인 듯 보이지만, 가만히 살펴보면 소소하고 부드러운 감성을 이야기하는 작업을 하는 그녀를 아거스가 만나보았다.

자기소개 부탁드립니다.
보이지 않는 것을, 사람들이 신뢰하는 수학적이고, 과학적 기호를 사용하여 가시화하는 작업을 하고 있는 작가 안민정이다. 2005년 서울 과학기술대학교 조형예술학과를 졸업하고, 2008년에 동 대학원을 졸업했다. 다수의 단체전에 참여하여 작품을 전시했고, 개인전으로는 2014년 청주 창작스튜디오의 [기억의 공학], 2015년 옵시스 아트갤러리의 [사적인 환영] 등이 있다. 현재는 서울과학기술대학교에 출강하고 있다.

왜 작가가 되기로 결심하셨나요?
아주 어렸을 때부터 그림 그리는 거 외에 다른 생각을 해본 적이 한 번도 없다. 낙서하는 것을 좋아하고, 그림 그리는 것을 좋아했다. 그래서 자연스럽게 패션디자이너, 화가의 꿈을 꾸게 되었다. 그러다가 고등학교 때 웹디자인에 관심을 가지게 되어서, 대학을 진학하지 않고 혼자 웹디자인을 공부했다. 그런데 내가 홀로 하는 디자인은 모방적이고 장식적으로 느껴졌다. 예술을 제대로 배우고 싶다는 생각이 들었고, 조형예술학과에 입학하여 자연스럽게 대학원까지 졸업했다. 순수미술, 현대미술 등을 배우며 특히, 현대미술의 매력에 빠져 지금에 이르렀다.

작가님의 작품들을 관통하는 하나의 주제의식을 어떻게 표현하시나요?
내가 작업할 때 표현하는 주제의식은 “보이지 않는 것을 보이게 하는 것”이다. 여기에서 “보이지 않는 것”의 소재는 주로 내가 살아오면서 겪는 감정과 추억에 기반한다. 사랑, 관심과 같은 추상적인 개념은 눈에 보이지 않지만 정말 소중한 것이다. 나는 그것을 다른 사람들이 납득할 수 있는 가시적인 방식으로 표현하고 싶었다. 그래서 나는 선, 공식, 기호, 도형 등 실존하는 수학, 과학적인 언어를 컴퓨터로 작업하여 주제를 표현한다.  대부분의 사람들이 보통 수학적이고 과학적인 결과는 믿 는다. 그 분야의 문제에는 정답이 정해져 있고, 누가 부인할 수도 없는 명백한 사실이 존재하기 때문이다. 그래서 나는 이러한 방식을 차용해서, 내가 작품에서 주로 전달하고자 하는 개인적인 경험에 근거한 감성이 관객들에게 객관적인 설득력을 갖도록 만든다. “육인가족도: 어머니는 명절에 모인 가족들에게 그동안 키우신 알로에를 나누어 주셨다” 라는 긴 제목의 작품은 보기에 미세한 선들이 굉장히 많아서 어렵고, 복잡해 보이지만 사실 주제는 “가족들에 대한 어머니의 사랑”이다. 어머니들은 가족들에게 몸에 좋은 것이면 무엇이든지 퍼주고자 한다. 가족끼리 찜질방에 갔을 때 어머니가 직접 기르신 알로에를 싸들고 오셔서 언니들에게 발라 주는 정성을 표현하고자 했다. 주인공인 어머니의 얼굴 주변에는 동심원을 그려 어머니의 따뜻한 기운과 아우라(Aura)를 표현했다. 이마에서 나오는 광선과 같은 노란색의 선들은 가족에 향한 ‘사랑의 빛’을 표현한 것이다. 마치 탯줄과 같이 어머니로부터 뻗어져 나와서 다른 가족들에게 연결된 선들을 통해 가족관계도 파악할 수 있다. 큰언니가 막내 동생을 위하는 관심과 사랑은 모성애와 관련된 호르몬인 옥시토신(oxytocin)으로 표현했다. 이처럼 내 작품의 조형의 요소는 붓터치나 물감의 색깔이 아니라, 컴퓨터를 활용하여 나타내는 수학적인 수치나 선, 도형들, 과학적인 사실과 공식 등 사람들에게 통용되는 기호인 것이다.

이런 표현방식을 채택하게 되신 특정한 계기가 있으신가요?
우연히 어떤 잡지에서 건축 도면을 보았다. 그 도면이 너무 멋있었다. 내가 옛날에 디자인을 혼자 공부할 때 느낀 디자인은 유명한 디자이너의 것을 따라하고, 예쁜 것을 따다 쓰고 그런 모방적이고 장식적인 일이었는데, 건축가의 도면은 종이 위의 모든 것 하나하나가 각기 정보를 담고 있었다. 복잡하고 아름다웠다. 조형적으로 예쁘면서도, 도면 위의 선이나 기호 등 모든 것이 중요한 이야기를 하고 있다는 사실이 매력적으로 느껴졌다. 이후 몇 년이 지나고 대학교에 들어와서 우연히 내 얼굴을 자로 재서 도면에 옮겨보면 어떨까 하는 생각이 들었다. 자화상도 물론 많이 그려 보긴 했지만, 단순히 실루엣을 따는 것이 아니라 눈 몇센치, 코 몇센치 등 내 얼굴의 객관적인 정보를 담고 싶었다. 내 얼굴을 건축도면으로 만들어서 치아를 계단으로 하고, 콧구멍을 출입구로 해보면 재밌을 것 같았다. 이렇게 해서 탄생한 작품 ”자화상”이 지금의 표현 방식으로 작업한 내 첫 작품이다. 사람들에게 겉으로 드러나는 정보, 예를 들면 점이 어느 지점에 위치해 있는지, 입이 어떻게 생겼는지는 물론이고, 눈에 보이지 않는 정보들도 표현했다. 여드름은 언제 났다가 언제 사라졌는지, 이 시계는 누가 선물해 준 것인지, 이 흉터는 어떻게 하다가 생긴 것인지, 내 아우라는 반경 몇 미터까지 퍼지는지 등 보이지 않는 에너지들까지 수치화해서 반영하고자 했다. 이 후로 계속 이렇게 “보이지 않는 것들을 가시화하는 것”에 흥미를 갖게 되었다. .

작품들에 등장하는 수학적, 과학적 공식들은 공부하신 것인가요?
작품을 만들기 위해 공부를 따로 한다. 작품이 완성되면, 보통 관련 지식을 잊어버리긴 하지만, 작업을 하는 그 순간에는 다른 사람들이 나를 공대생으로 착각할 정도로 열심히 공부한다. 도서관에 가서 의학책도 보고, 구글에 영어로 검색해서 원서를 번역해가며 읽기도 한다. 어렸을 때부터 미술만 하고, 공부도 별로 안 좋아했지만 순수하게 나의 작업을 위해서 그때그때 자료를 찾고 공부를 한다. 뉴런, 소뇌, 중뇌 등등 이런 의학 관련 정보들은 특히 더 어려워서, 작품 작업이 끝나고 시간이 흐른 후에 누군가 나에게 작품 설명을 하라고 하면 힘들 것 같다. 내가 열심히 공부를 해서 만든 작품이기 때문에 수학, 과학적인 면에서 어느 정도 타당성은 있다. 하지만 내가 과학자도, 수학자도, 건축가도 아니고, 다만 사람들이 신뢰하는 기호를 조형요소로서 차용하는 것이기 때문에, 그리고 내가 주제로 다루는 추상적인 것들은 과학자도 증명할 수 없는 것이기 때문에, 완전하다고는 할 수 없다.

관객들이 작가님의 작품을 어떻게 감상하면 좋을까요?
어떤 분들은 내 작품의 모든 선과 기호 등을 일일이 하나하나 보신다. 깨알같이 영어로 적힌 글씨까지 해석해가면서 자세히 감상하신다. 그런 관객분께 그러지 말라고 할 생각도 없고 오히려 감사드린다. 반면에 어떤 분들은 딱 보고 어렵다고 느껴서 제목도 안 보고 그냥 지나치는 경우도 있다. 내가 권하는 작품의 감상법은 그냥, 제목을 보고, 작품을 한 번 딱 보고, 피식 웃는 것이다. 그것이면 충분하다. ‘아 저 작가는 연인들 사이에 씌인 콩깍지, 엄마의 사랑 같은 추상적인 것들을 이렇게 과학적인 방식으로 표현했구나’ 하고 생각하면서 웃으면 된다. 사실 내 작품은 그렇게 어렵지 않다. 표현 방식이 사람들이 기존에 익숙하게 접하는 것이 아니라서 조금 새로울 뿐이지, 작업 내용이나 주제 자체가 어려운 것은 아니다. 하나 예시를 들자면, “나의 피아노를 치는 방법” 은 얼핏 보면 정말 어렵게 보이고, 피아노에서 소리가 나오는 과정을 과학적으로 설명한 것 같다. 하지만 이것은 사실 20년된,  레, 미, 솔 건반이 고장난 우리 집의 피아노를 어떻게 부드럽게 연주할 수 있는지에 관한 작품이다. 어떻게 하다보니, 검은 건반으로 치면 고장나기 전과 똑같이 연주할 수 있다는 점을 깨닫게 되어서, 그 노하우를 담은 그림이다. 물론 다른 사람들에게는 전혀 도움이 되지 않는 비생산적인 매뉴얼이지만, 관객들이 이것을 보고 비슷한 추억을 상기시키도록 하는데 목적이 있다. 사람마다 어떤 일을 할 때 자기만의 노하우가 있지 않나. 예를 들면 자기 집의 방문이 뻑뻑해서 잘 안열리는데, 어떻게 비틀어서 밀면 부드럽게 잘 열리는 것. 이런 것을 알면 스스로가 대견하고 괜히 뿌듯하지 않나? 내 작품을 심도 있게 뜯어 보는 것이 아니라, 이처럼 본인의 추억을 돌아보게 되어 슬며시 웃으면 된다.

작가님에게 가장 의미 있는 작품과 그 이유는 무엇인가요?
“뽀뽀의 힘” 이다. 보이지 않는 것을 수학, 과학적인 언어로 보이게 하는 나의 작업 방식을 가장 대표적으로 잘 전달하는 작품이라고 여기기 때문이다. 또한 이 작품의 주제에 내가 특별히 애정을 가진다. 지금도 나는 엄마의 뽀뽀의 힘을 믿는다. 어릴 때 뽀뽀를 받을 당시의 기분이 아직도 생생하게 느껴진다. 초등학교 1학년의 나는 혼자 학교에 가는 것이 어려웠다. 엄마가 학교에 잘 다녀오라며 내 볼에 뽀뽀를 해주어야만  나는 용기를 얻고 신나게 학교에 갈 수 있었다. 이렇게 엄마가 아침마다 해주는 뽀뽀의 대단한 힘이 나에게는 분명히 존재했고, 중요했다. 그런데 사람들은 이를 믿지 않고, 나와 비슷한 경험이 없다면 쉽사리 공감하지 않고 그럴 수도 없다. 단순히 눈에 보이지 않는다고 해서 이를 중요하게 여기지 않고, 비생산적이라고 생각하는 것이 안타까웠다. 그래서 F=ma라는, 사람들이 믿는 공식을 사용해서 뽀뽀의 힘을 나타냈다. 나의 삶의 원동력이었던 엄마의 뽀뽀를 표현한 작품이라서 의미가 깊다.

어떤 작가로 기억되고 싶으신가요?
누군가 그랬다. 나는 예술가 같지 않다고. 나는 그런 말이 좋았다. 예술가, 작가라고 해서 철학적이거나, 어디 다른 세상에 사는 사람이 아니라 그냥 옆집 언니, 아는 언니, 웃긴 언니로 기억되면 좋겠다. 대중들이 공감할 수 있고 재밌는 작품을 하는 사람으로 남고 싶다. ‘아, 이 사람 작품은 너무 어려워서 나는 모르겠어’ 이런 생각을 들게 하는 예술가가 아니라, 친근한 사람 으로 기억되고 싶다. 사람들을 즐겁게 하는 것이 좋다. 사람들이 느끼는 즐거움과 행복이 내 작업의 원동력이라 할 수도 있겠다. 먹는 사람이 행복해하면 요리를 한 사람도 즐거운 것처럼, 내 작품을 감상한 누군가가 피식 웃고, 그 사람이 이후에 일상으로 돌아갔을 때, 내가 작품에 담아낸 추억과 비슷한 경험을 떠올리면서 미소 지을 수 있다면 정말 기쁠 것 같다. 나는 작업의 표현 도구로서 장난을 사용하는 것이지, 관객에게 진지하게만 접근하려는 것은 아니다. 개그맨들이 사람들을 웃기려고 진지한 분장을 하고 빵 터뜨리는 것처럼, 나도 수학기호, 과학공식과 같은 진지한 표현방식을 쓰지만, 내가 진정 하고자 하는 것은 사람들을 피식 웃게 만드는 것이다.

앞으로의 계획은 무엇인가요?
개인전을 준비 중에 있으며, 새로운 작품을 선보일 예정이다. 앞으로도 수학, 과학적인 표현 방식을 통해 소소한 일상 속 기쁨을 주고, 새로운 것을 발견할 수 있게 만드는 작품을 만들고 싶다. 내 작품이 더 많은 사람에게 알려지면 좋겠다. 작품의 장르를 바꿔볼까, 작업의 매체를 바꿔볼까, 평면에서 입체적인 작품으로 바꾸어볼까 등의 측면에서도 항상 여러 가지 고민을 하고 있다. 작품의 소재는 지금까지 그래왔던 것처럼, 자연스럽게 변화를 맞이할 것 같다. 어릴 때는 주로 언니들, 엄마, 아빠 등 가족 중심이었다면, 연애할 때는 남자친구였고, 결혼 후에는 집안일, 먹고 사는 일이 주된 내용이었다. 아마 아이를 낳고 나면 이제 소재가 아기 중심으로 가지 않을까 예상해 본다.

마지막으로 독자들에게 전하고 싶은 말이 있으시다면?
현대미술에 대해서 거부감을 느끼거나 전혀 관심이 없는 사람들이 젊은 대학생들 중에서도 의외로 많다. 미술관을 간다고 해도, 남자친구 혹은 여자친구 손에 이끌려서 대림미술관 같은 큰 미술관만 잠깐 방문하여, 누군가에게 보여주기 위한 인증샷만 찍고 갈 뿐이다. 학생들이 현대미술을 어려워하지 않았으면 좋겠다. 내 작업이 특히 겉보기에 어렵게 보이고 표현 방식이 특이하다 보니, “이게 무슨 작품이야, 여기에서 무슨 감정을 느껴” 하시는 분들이 많다. 하지만 대학생들이 현대미술에 거부감 없이, 느끼면 느끼는 것이고, 모르면 모르는 대로, 편하게 작품을 대하고 감상하면 좋겠다. 대형 갤러리 말고도, 곳곳에 작은 갤러리들이 많으니까 한 번 들어가 보면 좋겠다. 둘러보면서 맘에 드는 그림이 있으면 멈춰서 더 오래 보기도 하고, 없으면 그냥 나와도 좋다. 현대미술은 옛날 중세시대의 미술처럼 귀족들만 향유하는 것이 아니니까, 보다 많은 사람들이 예술에 대해서 넓은 마음을 가지고 가볍게라도 보기 시작하길 바란다. 그냥 제목 한 번 보고, 작품 보고, 피식 웃으면 그게 바로 예술 작품을 감상하는 법이다.

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